Centro de Arte Contemporáneo

Sede Hotel de Inmigrantes

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Sobre la muestra

Leila Alaoui, Reza Aramesh, Hugo Aveta, Gabriele Basilico, Claudia Casarino, Fouad Elkoury, Harun Farocki, Regina José Galindo, Gülsün Karamustafa, Sigalit Landau, Alberto Lastreto, Matilde Marín, Angelika Markul, Gisela Motta & Leandro Lima, Natacha Nisic, Khalil Rabah, Silvia Rivas, Isabel Rocamora, Zineb Sedira, Catalina Swinburn, Barthélémy Toguo.

>Presentación

Todos somos viajeros desde que fuimos echados del paraíso, decía un pensador del siglo X. Mil años más tarde, doscientos treinta y dos millones de personas en desplazamiento en el mundo confirman su aserto.

Los países del Norte rechazan hoy a los que huyen del hambre que crearon con guerras y colonialismo. En las costas europeas los reprimen y en los Estados Unidos no se dan por enterados de su existencia. Por el contrario, nuestro país consagró el migrar como un derecho humano y puede exhibir la ley de migraciones más avanzada a nivel mundial.

En ese marco, la UNTREF puso en valor el Hotel de Inmigrantes, testigo de las políticas históricas de recepción de extranjeros, y creó allí dos nuevas sedes de su museo, el MUNTREF: el Museo de la Inmigración y el Centro de Arte Contemporáneo.

Migraciones (en el) arte contemporáneo, la exposición que hoy nos convoca, conlleva el concepto de fronteras –en su sentido mas amplio–, desde las nacionales hasta las de estilo artístico. Este proyecto fue incubándose desde que nos hicimos cargo de este predio tan pletórico de memoria y del espíritu de quienes nos antecedieron. Así, consideramos que a los temas ligados a una idea de arte y compromiso que guiaban nuestro accionar en el arte contemporáneo debíamos incorporar la temática migratoria que integraba nuestro rol académico.

La sensibilidad de quienes forman parte esta exposición nos permite, en el marco de la belleza de sus obras, rastrear en la profundidad de esas temáticas. El arte, que es siempre de algún modo expresión de la realidad que lo embebe, nos permite transitar escenas que nos hacen pensar, entender, sufrir e identificarnos con sus posturas.

Agradezco a todos los artistas que aceptaron nuestra propuesta, los felicito por la belleza y profundidad de sus obras y hago extensiva esta felicitación a la curadora y sus colaboradores de la universidad por este nuevo ejemplo de seriedad y dedicación.

We have all been travelers since we were thrown out of paradise, a thinker of the 10th century used to say. A thousand years later, two hundred and thirty-two million people moving around the world can confirm his assertion.

The countries of the north reject those to flee the hunger they created through wars and colonialism. They are repressed on the shores of Europe and the United States ignores their existence. In contrast, our country has declared migration a human right and can boast the most advanced migration law in the world.

Within this framework, the UNTREF has revamped the Hotel de Inmigrantes, a witness to the historical policies of hospitality towards foreigners, where two new venues of the university museum, the MUNTREF, were opened: the Museum of Immigration and the Center for Contemporary Art.

The exhibition Migrations (in) Contemporary Art bears the concept of borders—in the broadest sense of the word—from national ones to those between artistic styles. This project has been conceived since we took over this building, which is filled with the memory and the spirit of those who preceded us. We thought we had to incorporate the theme of migration that was part of our academic role into the issues related to the idea about art and commitment that define our actions within contemporary art.

The sensitivity of those who take part in this exhibition allows us to venture into the depth of these themes through the beauty of their works. Art, which always reflects the reality that permeates it, makes it possible for us to visit scenes that lead us to think, understand, suffer and empathize with its stances.

I would like to express my gratitude to all the artists that accepted our proposal and congratulate them on the beauty and profoundness of their pieces. I wish to extend my congratulations to the curator and her assistants from the university on this new example of professionalism and dedication.

Aníbal Y. Jozami
Rector UNTREF / Rector of the UNTREF

Migraciones (en el) arte contemporáneo
¿Quién está dónde?

Si las migraciones formaron parte de la lógica de poblamiento del planeta desde que el hombre lo ocupa, también tempranamente la marcación de límites se impuso. La idea de poner orden en el espacio ha sido creciente; sin embargo, esa intensa búsqueda de control que ejercen los Estados nacionales aparece desbordada por las complejas realidades que ponen en tensión cualquier límite, haciendo evidente, a su vez, cuán globales pueden tornarse los acontecimientos que se producen en sitios específicos.

Se generan importantes movimientos de poblaciones que se ven obligadas a desplazarse de sus sitios de origen a otros que pudieran garantizarles mejores condiciones de vida, con lo que quedan, sin embargo, en situaciones paradojales de suspensión. Entre el afuera y el adentro que marcan las fronteras, estos conjuntos de individuos pasan a integrar una masa de personas a las que los Estados tienen problemas en definir: ¿son migrantes, refugiados, exiliados…?

Lo que tienen claro es que se trata de “otros”, a los que se trata de manera diferencial. Todos ellos, en un mundo atravesado por el discurso globalizador, se encuentran, sin embargo, sin lugar y exponen, a su vez, la doble vulnerabilidad de la situación, la propia y la ajena. Entonces, ¿dónde situar el punto de mira en estas fronteras? ¿Dónde se localiza el “nosotros” y dónde el lugar de los “otros” cuando, en la fluidez de las circulaciones de gentes y conflictos, el límite termina resultando mutuamente excluyente, más aún dentro de la lógica instalada en el discurso de la transnacionalización que, como vemos, no terminó de enunciarse para encontrar su instancia paradojal?

A estas problemáticas sociopolíticas contemporáneas se asocian otras, de un orden diferente, que hacen a la especificidad de este ensayo curatorial centrado en el concepto de migraciones, ya que Migraciones (en el) arte contemporáneo es una exposición que busca sondear la experiencia vital contemporánea desde el concepto de “migrar”. En este sentido, se seleccionaron obras de artistas de distintos orígenes que atraviesan con sus trabajos problemas como migraciones, exilios, identidad, itinerancia, pertenencia, límites, fronteras. Asimismo, y pensando en que la producción simbólica forma parte de la experiencia vital de la contemporaneidad, este ensayo busca reflexionar sobre las condiciones del arte contemporáneo desde este concepto móvil de migración: de ideas, medios, soportes, prácticas, representaciones socioculturales e, inclusive, la propia condición del artista.

Se intenta poner en escena uno de los temas-problema de nuestro mundo, así como indagar las condiciones del arte contemporáneo desde este concepto dinámico y complejo, con la certeza de que su exploración abrirá nuevas fronteras para hacer del espacio del arte un nuevo espacio de pensamiento sobre nuestras experiencias cotidianas.

Emerge, entonces, de estas consideraciones la necesidad de repensar el lugar del arte hoy día. Ensayemos una respuesta posible, que resultaría eficaz a la luz de las obras aquí reunidas: el arte contemporáneo se presenta como una intensificación de las experiencias del mundo. Si esto es así, la selección de obras y el montaje se suman en esta labor ofreciendo al espectador un verosímil (uno, entre otros posibles, incluyendo todos aquellos que se establezcan espontáneamente en el recorrido que cada uno elija) capaz de instalar de otras maneras aquellos temas que nos rondan.

Migrations (in) Contemporary Art
Who Is Where?

Migrations have always been part of the logic of human settlement on the planet since the beginning of time. Likewise, the setting of limits had an early start. and the safekeeping of territory, property and people has been the driving force for the creation of all kinds of boundaries ever since. Despite the growing tendency to establish an order in the space, such an intense pursuit of control by national states seems offset by the complex realities that challenge any limit: hence, the global nature of the events that transpire in specific locations.

Populations are forced to migrate in large numbers in search of new locations that can guarantee better living conditions, which paradoxically leaves them in situations of suspension. Inside and outside the space defined by the borders, these groups of individuals make up a mass of people whom the states can barely define: are they migrants, refugees, exiles…?

What the states do know is that they are “the others,” who are given a differential treatment. In a world invaded by the idea of globalization, they all find themselves without a place, thus revealing the twofold vulnerability of the situation: their own and the others’. Where is the point of view on these borders? Where is “us” and where “the others”? In the flow of peoples and conflicts, the limit becomes mutually exclusive, particularly within the established logic of the transnationalization discourse, the enunciation of which has already found its paradoxical instance.

In addition to the issues concerning contemporary socio-political problems, there are other topics that contribute to the specific nature of this curatorial project focusing on the problem of migrations. The exhibition Migrations (in) Contemporary Art seeks to fathom this contemporary life experience from the concept of “migrating.” To such a purpose, pieces by artists from different backgrounds were selected whose work explores conflicts such as migration, exile, identity, itinerancy, belonging, limits and borders. Similarly, since symbolic production is part of the life experience in today’s world, this project seeks to reflect upon the contemporary art conditions on the basis of this mobile concept of migration: that of ideas, media, platforms, practices, socio-cultural representations and even the artist’s own condition.

The objective is to present one of the problem-topics of our world and to look into the conditions of contemporary art on the basis of this dynamic and complex concept with the certainty that it will push new borders to turn the realm of art into a new space to reflect upon our everyday experience.

These considerations result in the need to reconsider the current role of art. We will advance a possible answer which might be effective in the light of the works herein gathered: contemporary art enhances the experience of the world. If this is so, the selection of works and montage add to this project by offering to the spectator an element of credibility capable of expressing the topics around us differently. Such an element of credibility is just one among others, including those that can spontaneously arise along the itinerary of each spectator.

Diana B. Wechsler
Curadora / Curator

>Artistas

Leila Alaoui

Leila Alaoui es una fotógrafa y videoartista francomarroquí nacida en París en 1982. Vive y trabaja en Marrakech y París.

Estudió fotografía en la City University of New York antes de pasar temporadas en Marruecos y el Líbano. Sus experiencias en diferentes ambientes culturales y geográficos informan su práctica crítica y creativa. Su obra explora la construcción de la identidad y la diversidad cultural, a menudo a través del prisma de las historias de migraciones que atraviesan el Mediterráneo contemporáneo. Sus imágenes expresan realidades sociales mediante un lenguaje visual que combina la profundidad narrativa del documental y la sensibilidad estética de las artes plásticas.

Sus trabajos se exhiben internacionalmente desde 2009; fueron presentados en el Institut du Monde Arabe y en Art Dubai, y pronto lo serán en la Maison Européenne de la Photographie, París. Sus fotografías se han publicado en diarios y revistas, incluyendo The New York Times y The Guardian.

Leila Alaoui es representada por la Art Factum Gallery en Beirut (Líbano), East Wing en Dubai (Emiratos Árabes Unidos) y la Voice Gallery en Marrakech (Marruecos).


Reza Aramesh

Reza Aramesh nació en 1970 en Irán. Vive y trabaja en Londres.

Su obra figura en muchas colecciones públicas y privadas de todo el mundo, y se ha expuesto en diversos países: Francia, China, Dubai, Israel, el Reino Unido y los Estados Unidos. Ha organizado varias performances en distintas instituciones; entre ellas, el Barbican Centre, Tate Britain y el Institute of Contemporary Art, Londres. Otros proyectos se han realizado en plazas públicas, clubes nocturnos y depósitos industriales. Sus muestras recientes incluyen At 11:08 March 14, 2006, Sazmanab/ab-anbar Center for Contemporary Art, Teherán (2014), y The Whistle of the Souls, Warehouse No. 18, Dubai (2014). Su publicación de edición limitada Centerfold es un proyecto de colaboración en desarrollo, en el que hasta la fecha han intervenido más de cien artistas.

Su obra en video Action 141: Not What Was Meant se presenta este año en la 56ª Bienal de Venecia.


Hugo Aveta

Hugo Aveta nació en 1965 en Córdoba (Argentina), donde vive y trabaja.

Sus obras han sido expuestas en las bienales del Fin del Mundo (Ushuaia), Photoquai (París), del Mercosur y de Curitiba; en museos de Buenos Aires, Córdoba, Santa Fe, Rosario y Salta (Argentina), Montevideo (Uruguay), París (Francia) y en instituciones y galerías de Argentina, Uruguay, Brasil, Paraguay, Perú, Colombia, México, Estados Unidos, Alemania, España, Francia y Holanda. Recientemente participó de la muestra My Buenos Aires, en La Maison Rouge, París (2015). Poseen obras de su autoría las colecciones del Museo Nacional de Bellas Artes y el Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires; el Museo Emilio Caraffa y el Museo Evita (Córdoba); el Museo de Arte Contemporáneo de Rosario, el Museo de Arte Contemporáneo de Salta, el Espacio de Arte Contemporáneo (Montevideo), el Musée du quai Branly (París) y el FNAC (Fonds National d’Art Contemporain, Francia), así como diversas colecciones privadas.

En 2002 recibió el primer premio de honor del Salón Nacional de Artes Visuales, República Argentina.


Gabriele Basilico

Gabriele Basilico nació en 1944 en Milán, donde falleció en 2013.

A principios de la década de 1970, después de graduarse en la Facultad de Arquitectura, comenzó a fotografiar el paisaje urbano. Su primer proyecto, Milano ritratti di fabbriche 1978-80, retrató el área industrial milanesa. En 1984 fue invitado, como único fotógrafo italiano, a trabajar en el proyecto de la Mission photographique de la DATAR, un gran emprendimiento promovido por el gobierno de Francia, orientado a registrar el paisaje contemporáneo de ese país. En 1991 participó, con un grupo de colegas internacionales, en una misión fotográfica sobre la ciudad de Beirut, tras el fin de la guerra. Desde entonces, Gabriele Basilico llevó adelante muchas campañas individuales y colectivas en diferentes ciudades del mundo, y su obra ha sido presentada en varias exposiciones, así como en libros y catálogos. Durante largo tiempo, Basilico trabajó incansablemente en su investigación fotográfica sobre la morfología y las transformaciones del paisaje contemporáneo, en el marco de la cual escribió sus reflexiones y participó en seminarios, congresos y conferencias.


Claudia Casarino

Claudia Casarino nació en 1974 en Asunción, donde vive y trabaja.

Estudió en el Instituto Superior de Arte de la Universidad Nacional de Asunción y realizó cursos en Nueva York y Londres.

Su obra se ha ido construyendo en torno a temas de conciencia del cuerpo, identidad y género, usando su propio cuerpo como espacio de representación y recurriendo al lenguaje del vestido de manera constante.

Expone desde 1998, y lo ha hecho en cinco versiones de la Bienal del Mercosur y en las bienales de La Habana, Tijuana, Busan, Cuenca, Curitiba, Argelia y Venecia, así como en diversas muestras en galerías, museos y centros culturales de Asunción, Santiago de Chile, San Pablo, Buenos Aires, Bogotá, Madrid, Barcelona, Milán, Amman y Londres, entre otros.

Su trabajo está incluido en las colecciones del Museo del Barro y la Fundación Migliorisi (Asunción), el Victoria and Albert Museum (Londres) y la Casa de las Américas (La Habana).

Es representada por la galería Paralelo de San Pablo, Brasil.


Fouad Elkoury

Fouad Elkoury nació en 1952 en Paris. Vive en París y Beirut.

Tras diplomarse en Arquitectura en Londres, en 1979, se volcó a la fotografía. En 1984, se publicó su primer álbum, Beyrouth aller-retour, sobre la vida en una ciudad desgarrada por la guerra.

En 1989 ganó el Prix Médicis Hors les Murs y pasó un año en Egipto, tras las huellas de Gustave Flaubert y Maxime Du Camp. In 1991 participó en una misión colectiva destinada a registrar las secuelas de la guerra en el centro de Beirut. La obra resultante integró un álbum, Beirut City Centre, y se exhibió en el Palais de Tokyo de París en 1993.

En 1997 fue uno de los creadores de la Arab Image Foundation, una organización con sede en Beirut cuyo objetivo es archivar y preservar fotografía de la región, a la vez que convertirla en un medio más accesible.

Elkoury publicó, entre otros libros, Palestine, l’envers du miroir (1996), Suite Égyptienne (1997), Liban provisoire (1998), Sombres (2002), Be…longing (2011), y La Sagesse du photographe, un ensayo sobre fotografía (2004).

Ha presentado sus fotos y videos en las bienales de Sharjah, Venecia y Gwanju, así como en diversas muestras en Dubai, Beirut, Bruselas, París, Marsella y Nueva York, entre otras ciudades.


Harun Farocki

Harun Farocki nació en 1944 en Nový Jičin (entonces Neutitschein, Sudetengau; hoy República Checa) y falleció en 2014 cerca de Berlín.

Entre 1966 y 1968 asistió a la recién inaugurada Deutsche Film- und Fernsehakademie Berlin (DFFB). Comenzó a filmar a mediados de los años 60, y desde 1966 realizó más de cien producciones para cine y televisión: documentales, films experimentales y ensayos cinematográficos, cine de ficción, TV para niños.

A partir de 1996 intervino en numerosas exposiciones individuales y colectivas en museos y galerías. Escribió para diversas publicaciones, y entre 1974 y 1984 fue editor y autor de la revista Filmkritik, Múnich. Es autor, junto con Kaja Silverman, del libro Speaking about Godard / Von Godard sprechen (Nueva York y Berlín).

En 2007 presentó Deep Play en la documenta 12, Kassel.

Además de desempeñar cargos docentes en Berlín, Düsseldorf, Hamburgo, Manila, Múnich y Stuttgart, Farocki enseñó en la University of California, Berkeley (1993-1999), y luego fue catedrático en la Akademie der bildenden Künste, Viena (2006-2011).

En 2011 inició, junto con Antje Ehmann, un proyecto a largo plazo titulado Labour in a Single Shot, que incluía talleres de producción de video en 15 ciudades de distintas partes del mundo.


Regina José Galindo

Regina José Galindo nació en 1974 en Guatemala, donde vive y trabaja.

Su práctica artística ubica su propio cuerpo en una dimensión pública, de una manera que puede ser identificada por cualquiera que haya sido testigo de la violencia y el sadismo de ciertos hechos políticos y humillaciones personales. Desde que fue invitada por Harald Szeemann a la 49ª Bienal de Venecia con la obra El dolor en un pañuelo y realizó, para esa ocasión, la performance Piel, Galindo ha presentado su trabajo en numerosas muestras internacionales. Recibió el León de Oro a la mejor artista menor de 35 años, por Himenoplastia, en la 51ª Bienal de Venecia, donde también presentó Golpes y ¿Quién puede borrar las huellas? Participó en las bienales de Estambul, Praga y Tirana, y expuso en importantes instituciones internacionales, como Pac, Milán; Tate, Londres; Guggenheim y PS1, Nueva York, y Le Plateau, París. Sus obras están presentes en prestigiosas colecciones públicas y privadas; entre ellas, las del Centre Pompidou, el Guggenheim Museum, el Castello di Rivoli, Turín; el Miami Art Museum y la Colección Cisneros Fontanals, Miami.


Gülsün Karamustafa

Gülsün Karamustafa nació en 1946 en Ankara y se graduó en la Academia Estatal de Bellas Artes de Estambul, ciudad donde vive y trabaja.

Sus exposiciones individuales más recientes incluyen, Swaddling the Baby, Villa Romana, Florencia (2015); An Ordinary Love, Rampa, Estambul, y A Promised Exhibition, SALT Ulus, Ankara (2014); SALT Beyoğlu, SALT Galata, Estambul (2013); Mobile Stages, Salzburger Kunstverein, Salzburgo, y Bosphorus 1954, Kunstmuseum Bonn (2008); Memory of a Square / 2000-2005 Video Works by Gülsün Karamustafa, Kunsthalle Fridericianum, Kassel; Black and White Visions, Prometeo Gallery, Milán; PUBLIC/ PRIVATE, Dunkers Kulturhus, Helsingborg, y Memory of a Square, Museum Villa Stuck, Múnich (2006); Men Crying Presented by Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, galería Immanence, París (2005), y Galata: Genoa (Scavere Finestrini), galería Alberto Peola, Turín (2004).

Participó en varias muestras colectivas, entre las que figuran Art Histories, Museum der Moderne Salzburg (2014); Artevida (Política), Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (2014), y las bienales de San Pablo (2014), Gwangju (2000, 2014), Tesalónica (2013), Kiev (2012) y Singapur (2011).

Gülsün Karamustafa recibió el Premio Príncipe Claus en 2014.


Sigalit Landau

Sigalit Landau nació en 1969 en Jerusalén. Vive y trabaja en Tel Aviv.

Estudió en la Bezalel Academy of Art and Design de Jerusalén, y durante ese tiempo también participó en un programa de intercambio estudiantil en la Cooper Union School of Art and Design, Nueva York. Tras varios años en Londres, se radicó en Tel Aviv.

Landau trabaja con diversos medios –dibujo, escultura, video, performance–, y crea piezas e instalaciones que a veces se presentan solas y otras forman ambientaciones completas e inclusivas. Sus obras tocan cuestiones sociales, humanitarias y ecológicas, y abarcan temas tales como la carencia de vivienda, el exilio y las relaciones entre víctima y victimario y entre deterioro y crecimiento. Dado que gran parte de su obra tiene que ver con la condición humana, la figura (a menudo la suya) es un motivo clave. Utilizando sal, azúcar, papel y objetos ready made, crea instalaciones en gran escala en lugares específicos, que modifican totalmente los espacios en los que trabaja.

La artista representó a Israel en la Bienal de Venecia (1997 y 2011), e intervino en numerosas exposiciones internacionales, como Documenta X, Kassel (1997), y The Armory Show, Nueva York (2005).


Alberto Lastreto

Alberto Lastreto Prieto nació en Buenos Aires en 1951. Vive y trabaja en el Uruguay.

Creció y se educó en Montevideo. Estudió en la Universidad de la República, Facultad de Arquitectura, hasta 1973, cuando fue expulsado del país por la dictadura militar. Residió en Buenos Aires hasta 1975, año en que se vio forzado a asilarse en La Habana, Cuba. Cursó estudios de Historia del Arte y Estética. En 1980 se radicó en Estados Unidos, donde vivió hasta 2006, cuando retornó a Montevideo.

Fue invitado a participar en la 8ª Bienal del Mercosur (2011), la Primera Bienal de Montevideo (2012) y Primera Bienal del Sur, en Panamá (2013).

En 2008 recibió el primer premio del Salón Nacional Hugo Nantes, del Uruguay.


Matilde Marín

Matilde Marín nació en 1948 en Buenos Aires, donde vive y trabaja.

Estudió Arte en su ciudad natal y en Zúrich, Suiza.

Recibió, entre otros, los premios Jorge Romero Brest a la trayectoria, de la Asociación Argentina de Críticos de Arte (2009), y Konex de Platino (1992); y el primer premio de la Bienal Latinoamericana de Puerto Rico (1998).

Es miembro de número de la Academia Nacional de Bellas Artes de la Argentina.

Entre sus proyectos recientes figuran No demasiado lejos (Bienal de Curitiba), El manto del océano (Bienal de La Habana), Paisajes indeterminados, galería del Infinito (Buenos Aires); La persistencia del arte, galería Canem (Valencia), y Migrantes, Centro de Arte Contemporáneo, UNTREF (Buenos Aires) (2015); Una línea continua – temas sobre el paisaje, Museo Nacional de Bellas Artes (Neuquén), y Arte como palabra, galería Sicart (Barcelona) (2014); Cuando divise el humo azul de Itaca, Centro Experimental del Teatro Colón (Buenos Aires) (2012); Pharus, galería Patricia Ready (Santiago de Chile), y Recorrido y visibilización de un archivo, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía – MNCARS (Madrid) (2011).

Poseen obras suyas el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, el Bronx Museum of the Arts, Nueva York, y el MNCARS, entre otras instituciones.


Angelika Markul

Angelika Markul nació en 1977 en Polonia. Vive y trabaja en Francia y Polonia.

Sus obras se han presentado en numerosas exposiciones, tanto individuales como colectivas, en Francia (París, Chamarande) y en varias instituciones artísticas importantes de otros países; entre ellos, Alemania (Berlín, Dortmund), Italia (Turín, Venecia) y Suiza (Lucerna, Lugano), así como en Londres, Madrid, Trondheim, Montreal y Yokohama. En 2012 recibió el Premio SAM Art Projects.

En el arte de Angelika es posible encontrar un repertorio de formas muy personal; combina imágenes de video con instalaciones, a menudo realizadas con materiales tales como papel de aluminio negro, vidrio y madera.

Entre sus muestras individuales recientes figuran Z ziemi do gwiazd, Malakoff, Francia (2014); Terre de départ, Palais de Tokyo, París, Francia (2014); Installation monumentale (2013), Domaine départementale de Chamarande, Francia, y The Unleashed Forces. Angelika Markul and Contemporary Demonism, Muzeum Sztuki Łódź, Łódź, Polonia (2013).

The State of Life, National Art Museum of China, Beijing, China (2015), y Take Me I’m Yours, Monnaie de Paris, Francia (2015), son dos de las exhibiciones colectivas más recientes en las que participó.


Gisela Motta & Leandro Lima

Gisela Motta y Leandro Lima nacieron en 1976 en San Pablo, donde viven y trabajan. Se diplomaron en Artes Plásticas en 1999, en la Fundação Armando Alvares Penteado, y desde entonces trabajan juntos. Fueron finalistas del Premio Nam June Paik 2012. Participaron en la exposición Território de contato, en el SESC Pompéia, San Pablo, y en el premio CIFO 2010, de la Cisneros Fontanals Art Foundation. Realizaron residencias artísticas en Hiap, Helsinki, seleccionados por la UNESCO (Aschberg Bursaries for Artist Programme), y en Inglaterra (Artist Links – England/Brazil, del British Council). También intervinieron en la 1ª Bienal del Fin del Mundo, Ushuaia; en la 10ª Bienal de La Habana, Integración y resistencia en la era global, y en Höhenrausch.2, OK Centrum, Linz. En 2014 formaron parte del programa de residencias de la Bienal de Vancouver, y fueron seleccionados por el programa Rumos Itaú Cultural. Entre sus muestras individuales se destacan Sopro (2012), en el Centro Cultural Banco do Brasil, Río de Janeiro, y Chora-Chuva, en la galería Vermelho, San Pablo (2015). Recibieron el 2º premio Marcantonio Vilaça, el 13º premio Cultura Inglesa Festival y el 5º y 8º premios Sergio Motta de Arte e Tecnologia.


Natacha Nisic

Natacha Nisic nació en 1976 en Grenoble. Vive y trabaja en París.

Su obra explora continuamente la relación invisible, incluso mágica, entre las imágenes, las palabras, la interpretación, el símbolo y el ritual, y entreteje lazos entre relatos del pasado y del presente y la historia, para revelar las complejidades de la relación entre lo que se muestra y lo que se oculta, lo dicho y lo no dicho. Nisic, quien realizó residencias en la Villa Kujoyama en 2001 y en la Villa Medici en 2007, cuestiona la naturaleza de la imagen a través de varios medios: Súper 8, 16 mm, video, fotografía y dibujo. Sus imágenes fijas y en movimiento funcionan como sustratos de la memoria; memoria dividida entre su valor como prueba y su pérdida, y son tomas de posición sobre el estatuto de las imágenes y las posibilidades de la representación.

Su muestra individual Echo se expuso en el Jeu de Paume, París, en 2013, y en 2014 Arte France produjo su film Le Ciel d’Andréa. Natacha Nisic ha exhibido su obra en numerosas instituciones, como el Metropolitan Museum (Tokio), el K21-Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen (Düsseldorf), el Centre Georges Pompidou (París y Metz), la Fondation Hermès y la Bienal Internacional de Arte de los Medios de Seúl.


Khalil Rabah

Khalil Rabah nació en 1961 en Jerusalén. Vive y trabaja en Ramallah. Rabah es artista y, desde 2005, director artístico de la Bienal de Riwaq (Ramallah, Palestina).

Entre sus obras figuran United States of Palestine Things (2007-011) y los proyectos en desarrollo The Palestinian Museum of Natural History and Humankind (2003) y Art Exhibition (2010). Sus libros incluyen 50,320 Names, Volume y The 3rd Riwaq Biennale.

Rabah ha participado en varias exposiciones colectivas en Europa, oriente Medio y las Américas. Entre sus muestras individuales recientes se cuentan Art Exhibition – Ready Made Representations, Sfeir-Semler, Hamburgo (2012); Review, Beirut Art Center, Beirut (2012); Pages 7, 8, 9, e-flux, Nueva York (2013), y Scale Models, Kunsthaus, Hamburgo (2015). Intervino en diversas exhibiciones internacionales; entre ellas, las bienales de San Pablo, Sídney, Gwangju, Estambul, Liverpool, Sharjah, Kochi-Muziris, Tesalónica y Venecia.

Se ha desempeñado en el comité asesor de la Biennial Foundation (2007-2013), así como en el Home Workspace Curriculum Committee de la asociación Ashkal Alwan, Beirut (2011-2015).


Silvia Rivas

Silvia Rivas nació en 1957 en Buenos Aires, donde vive y trabaja.

Su obra se distingue por materializarse en soportes diversos. Expone regularmente en forma individual en la Argentina y en el exterior, y ha representado a su país en bienales como las de La Habana (2003) y el Mercosur (Porto Alegre, 2001 y 2005). En 2001 comenzó a trabajar en el formato de videoinstalación, y obtuvo la beca John Simon Guggenheim por su proyecto de 12 canales de video Notas sobre el tiempo, que presentó en la Sala Cronopios del Centro Cultural Recoleta. Exhibió Todo lo de afuera en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (2004), y Pequeño acontecimiento en el Espacio Fundación Telefónica (2005). En 2010 expuso en MALBA – Fundación Costantini videoinstalaciones y dibujos de la serie Zumbido, de la que ha mostrado versiones en Fundación Proa (2013) y en el Museo Municipal de Bellas Artes Juan B. Castagnino de Rosario (2014).

Entre otras distinciones, recibió el Diploma al Mérito en Técnicas Mixtas 1997-2001 y en Videoarte 2001-2012 de la Fundación Konex; la beca-residencia del Wexner Center for the Arts, Ohio (2005), y, en 2006 y 2007, el tercer y segundo premios, respectivamente, en el Salón Nacional de Artes Visuales, Nuevos Soportes e Instalaciones.


Isabel Rocamora

Isabel Rocamora es una artista y cineasta hispanobritánica nacida en 1968 en Barcelona. Vive y trabaja en su ciudad natal y en Edimburgo. Su obra considera la naturaleza performativa del gesto humano en relación con la identidad individual y cultural. Situadas en el intersticio entre el cine y el arte, sus instalaciones a menudo dialogan con la forma cinemática como imagen expandida. Sus films, premiados internacionalmente, se han exhibido, entre otros sitios, en el Centro di Cultura Contemporanea, Palazzo Strozzi, Florencia; el National Museum of Photography, Copenhague; el Herzliya Museum of Contemporary Art, Israel; el Austrian Cultural Forum New York y el Museo d’Arte Moderna di Bologna. Entre sus muestras recientes figuran las realizadas en la Bienal de Venecia (Collaterali) y el Musée de la Civilisation (Quebec). Actualmente prepara retrospectivas individuales en el Reino Unido y Canadá.

Isabel enseña Cine en la Edinburgh Napier University, y ha sido invitada a dar charlas en muchas instituciones, entre las que se incluyen la Whitechapel Gallery y la Architects’ Association, Londres; el Reial Cercle Artístic de Barcelona y las universidades de Oxford y Brown.


Zineb Sedira

Zineb Sedira nació en 1963 en París. Vive en Londres y trabaja en esa ciudad, Argel y París.

Su obra se expuso en varias muestras individuales, en instituciones como Photographers’ Gallery y The Wapping Project (Londres); New Art Exchange (Nottingham); Pori Art Museum; BildMuseet (Umeå); Nikolaj Kunsthal (Copenhague); Palais de Tokyo (París); musée d’Art contemporain (Marsella); Blaffer Art Museum, University of Houston; Prefix – Institute of Contemporary Art (Toronto) y Charles H. Scott Gallery (Vancouver).

Participó en exhibiciones colectivas en Tate Britain; Centre Pompidou (París); Mori Museum; Baltic Centre for Contemporary Art (Gateshead); Musée d’Art Moderne (Argel); Brooklyn Museum; Mathaf (Doha); Contemporary Art Center, Tate Britain; MuCEM y Friche de la Belle de Mai (Marsella); Gwangju Museum of Art; Centre Pompidou-Metz; MMK Museum für Moderne Kunst (Fráncfort del Meno) y Power Plant, Contemporary Art Gallery (Toronto), entre otros, así como en bienales y trienales, incluyendo la Bienal de Venecia, la Trienal de Fotografía y Video del International Center of Photography (Nueva York), la Bienal de Sharjah y la Trienal de Folkestone.


Catalina Swinburn

Catalina Swinburn nació en 1979 en Santiago, Chile. Vive y trabaja entre Londres, Buenos Aires y Santiago.

Su obra se sitúa entre la instalación, la performance, la fotografía y la escultura, entre otras disciplinas que operan una articulación significativa y coherente entre creaciones actuales y pasadas, cuyo hilo conductor es la memoria, en un contexto que va más allá de lo histórico, lo social o lo político, con un fuerte énfasis en la espiritualidad, la nostalgia, la tradición, la estética y la globalización. La artista presenta un enfoque visual estéticamente poético que estimula la capacidad del espectador de imaginar y trascender límites. Mediante la exploración de diversos medios visuales, involucra al observador en un lenguaje “cómplice” y “mutuamente constitutivo” entre un hecho real y su representación ficticia. El fuerte contenido teatral y la coreografía cargada de emotividad que interpreta y registra en sus rituales nos conducen los debates acerca de las desapariciones, los rituales, la muerte y los cuerpos, y ofrecen un apoyo para las reflexiones personales y críticas sobre una situación política y social.


Barthélémy Toguo

Barthélémy Toguo nació en 1967 en M’Balmayo, Camerún. Vive y trabaja entre París, Bandjoun y Nueva York.

Asistió a la École des Beaux-Arts de Abidjan, Costa de Marfil; la École Supérieure d’Art de Grenoble, Francia, y la Kunstakademie de Düsseldorf, donde conoció a Tony Cragg, Jannis Kounellis y Konrad Klapheck.

Sus primeras exposiciones tuvieron lugar en Europa (Francia y Alemania) y África.

Aunque se naturalizó francés, Toguo mantiene fuertes lazos con Camerún, donde creó Bandjoun Station, una fundación destinada a residencias de artistas e investigadores de todo el mundo, con el fin de que desarrollen propuestas en armonía con la comunidad local.

Diversos críticos y curadores repararon en sus obras y lo invitaron a asistir a importantes eventos; entre ellos, Hans Ulrich Obrist (Migrateurs, ARC, París, 1999), Jean-Hubert Martin (Partage d’exotismes, Bienal de Lyon, 2000) y Pierre Restany (Political Ecology, White Box, Nueva York, 2001).

Toguo amplió constantemente el alcance y la dimensión de sus creaciones, utilizando fotografía, video, instalaciones, impresiones y performances, y produciendo obras que combinan libremente varias técnicas. Desarrolló series como Transit y Purification, y esculpió “sellos” de madera donde registró el sonido y la furia del mundo, que luego imprimió en papel y que se convirtieron en sus obras distintivas.

Su trabajo refleja sus preocupaciones sobre el desarrollo de su país, su continente y la Tierra en su totalidad.

>Obras

Leila Alaoui

Crossings [Travesías], 2013
Videoinstalación
6 min 55 seg

Crossings [Travesías], 2013
Fotografías
60 x 90 cm

Reza Aramesh

Action 108: Palestinians wait to cross the Erez Crossing whilst trying to flee from Gaza, 20 June 2007 [Acción 108: Palestinos esperando para cruzar el Cruce Erez mientras intentan huir de Gaza, 20 de junio de 2007], 2012
Impresión manual en gelatina de plata, edición 2 / 3
191 x 245 cm
Cortesía del artista y Leila Heller Gallery, Nueva York/Dubai

Hugo Aveta

Océano, 2015
Instalación con sonido
506 x 240 cm

Gabriele Basilico

Beirut, 1991
Copia en gelatina de plata
100 x 120 cm

Claudia Casarino

Uniforme, 2008
Instalación
Uniformes de tul negro
Medidas variables

Fouad Elkoury

Serie: Beirut City Center [Centro de Beirut]

Rue de Damas [Calle de Damasco], 1991
Impresión de chorro de tinta, edición 1/5
50 x 62,5 cm

Kaak Seller [Vendedor de kaak], 1991
Impresión de chorro de tinta, edición 4/5
50 x 62,5 cm

The Sniper [El francotirador], 1991
Impresión de chorro de tinta, edición 4/5
50 x 62,5 cm

Boy Running [Niño corriendo], 1991
Impresión de chorro de tinta, edición 3/5
50 x 62,5 cm

Serie: Traces of War [Rastros de la guerra]
The National Museum during the Civil War [El Museo Nacional durante la guerra civil], 1993
Impresión de chorro de tinta, edición 1/5
50 x 62.5 cm

Destruction at Night [Destrucción por la noche], 1994
Impresión de chorro de tinta, edición 1/5
90 x 72 cm

Snakes [Serpientes], 1994
Impresión de chorro de tinta, edición 2/5
50 x 62.5 cm

The Caddy [El caddie], 1994
Impresión de chorro de tinta, edición 1/5
60 x 40 cm

Ambulant Souvenirs [Recuerdos ambulantes], 1995
Impresión de chorro de tinta, edición 1/5
40 x 60 cm

Moving Out [Mudándose], 1995
Impresión de chorro de tinta, edición 1/5
62.5 x 50 cm

The Garage [El garaje], 1995
Impresión de chorro de tinta, edición 2/5
40 x 60 cm

No Present [Sin presente], 1995
Impresión de chorro de tinta, edición 3/5
80 x 100 cm

Harun Farocki

Der Ausdruck der Hände [La expresión de las manos], 1997
Video
30 min

Regina José Galindo

Hermana, 2010
Video, tríptico
42 seg cada uno

Gülsün Karamustafa

The Settler [Migrante], 2003
Videofilm para dos pantallas
5 min 9 seg
Cortesía del artista y Rampa Istanbul

Sigalit Landau

Barbed Hula [Hula de alambre de púas], 2000
Video
1 min 52 seg
Loop

Alberto Lastreto

Doña Marcela – La Quimera, 2012
Video
14:07

Matilde Marín

Proyecto Pharus – Atlántico Sur, 2011
Video
4 min

Angelika Markul

Bambi à Tchernobyl [Bambi en Chernobyl], 2013-2014
Videoinstalación con música de Franck Krawczyk
13 min 26 seg
Loop

Gisela Motta & Leandro Lima

Anti-horário, 2011
Videoinstalación
Proyección circular, 180 cm de diámetro aprox.
60 min
Loop

Natacha Nisic

Catalogue de gestes [Catálogo de gestos], 1995–
(Fragmentos)
Films Súper 8 digitalizados, color
Entre 1 min y 2 min 30 seg cada uno
Centre Pompidou, Musée national d’art moderne / Centre de création industrielle, París (Donación de la artista)

Khalil Rabah

Philistine [Filisteo], 1997
Diccionario y tesauro Oxford de bolsillo, clavos
22 x 17,5 x 4 cm
Cortesía del artista y Sfeir-Semler Gallery, Beirut/ Hamburg

Silvia Rivas

Momentum-demora, 2015
Instalación con video
Medidas variables
Performer: Valentina Azzati

Isabel Rocamora

Horizon of Exile [Horizonte de exilio], 2007
Film de dos canales, S16 mm digitalizado
21 min
Cortesía de la Galería SENDA, Barcelona

Zineb Sedira

Mother Tongue [Lengua madre], 2002
Instalación
3 videos (color, sonido) en pantallas con auriculares de audio
4 min 38 seg cada video

Mother and I (France)

Daughter and I (England)

Grandmother and Granddaughter (Algeria)

Cortesía de la artista y kamel mennour, París

Catalina Swinburn

Rituales de identidad, 2015
Instalación – foto de performance
Impresión sobre bloques de bronce pulido
Reja de alambre galvanizado
172 x 172 cm
Edición: pieza única + 1AP

Barthélémy Toguo

Climbing Down [Escalando hacia abajo], 2004-2011
Cuchetas, escaleras de mano, bolsas multicolores
500 x 180 x 100 cm
Cortesía Galerie Lelong y Bandjoun Station

>Ubicación

MUNTREF CENTRO DE ARTE CONTEMPORÁNEO
Sede Hotel de Inmigrantes

Av. Antártida Argentina (entre Dirección Nacional de Migraciones y Buquebus). Entrada por Apostadero Naval, Dársena Norte.

Martes a Domingos de 12 a 20 hs.

ENTRADA GRATUITA

CÓMO LLEGAR

FF.CC. San Martín, Estación Retiro
FF.CC. Mitre, Estación Retiro
FF.CC. Belgrano Norte, Estación Retiro

SUBTE: Línea C, Estación Retiro

Líneas de Colectivos

5, 6, 7, 9, 20, 22, 23, 26, 28, 33, 45, 50, 56, 70, 75, 91, 92, 100, 101, 106, 108, 115, 126, 129, 132, 143, 150, 195.

Prensa

Gacetillas

Migraciones, nueva muestra

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Inauguró la muestra

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Los artistas y el concepto de sus obras

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